Das Gemälde „Bildnis einer Hofdame, Mme de Séjean, née le Chabellier“ von Jean-Etienne Liotard (1702–1789) ist das älteste Werk in der Sammlung des Aargauer Kunsthauses. Liotards Gemälde sowie Arbeiten von Johann Heinrich Füssli (1741–1825) und Caspar Wolf (1735–1783) bilden das Fundament in unserer Übersicht neuerer Schweizer Kunst – sie wurden aber alle erst Mitte des 20. Jahrhunderts erworben und gaben der Sammlung nach hundertjährigem Bestehen ihren eigentlichen Beginn.

Das Gemälde zeigt das Brustbild einer jungen Frau im nach links gerichteten Dreiviertelprofil. Die Porträtierte blickt den Betrachtenden direkt an. Sie ist edel gekleidet und trägt ein gerüschtes, weisses Mieder, darüber eine rot-weisse Robe, deren Säume mit Pelz und roten Schleifen geschmückt sind. Die rote Schleife wiederholt sich in ihrem auffälligen Halsschmuck. Ihr heller, reiner Teint kontrastiert mit dem Wangenrouge und den hellrot gefärbten Lippen. Die gepuderten Locken trägt sie kurz, und am Scheitel ist ein rotes Band eingeflochten. Der Bildhintergrund ist in neutralen grau-braunen Tönen gehalten und ergibt mit den akzentuierenden Rottönen der Dargestellten ein harmonisches Ganzes.

Liotard ist der wohl berühmteste Genfer Maler – bekannt in erster Linie durch Werke wie „Chocolatière“ (1744) und „Madame d’Epinay“ (1759) – hält sich während seines Lebens mehrere Male für längere Zeit in Paris auf. Nach neuester Pariser Mode gekleidet, lässt die Aufmachung der Dargestellten vermuten, dass das vorliegende Gemälde bei Liotards zweitem Aufenthalt von 1748 bis 1752 entstanden ist – nach Aussage des Künstlers seine fruchtbarsten Jahre. Ganz offensichtlich stammt die Frau aus einer höheren sozialen Schicht. Stilistisch gehört das Werk in die Serie von Pastellporträts der königlichen Familie – die Identifikation der Porträtierten als Hofdame Mme de Séjean kann nicht zweifelsfrei nachgewiesen werden.

Der Name des kosmopolitisch tätigen Künstlers Liotard wird in der Öffentlichkeit zu Recht meist mit der Pastellmalerei verbunden. Er zählt neben Rosalba Carriera (1675–1757), Elisabeth Vigée-Lebrun (1755–1842), Joseph Vivien (1657–1734), Maurice Quentin de La Tour (1704–1788) und Jean Siméon Chardin (1699–1779) zu den wichtigsten Vertretern des Genres, deren Porträts in ganz Europa begehrt waren. Die Pastellmalerei nimmt in der italienischen Renaissance ihren Anfang und erlebt im 17. und 18. Jahrhundert ihren Höhepunkt. Liotard ist sich seiner Meisterschaft in der Pastelltechnik bewusst und lobt in einem Essay von 1762 deren Vorzüge: „La peinture en pastel pour la beauté, la vivacité, la fraîcheurs & la légèreté des teintes, est plus belle que quelque peinture que ce soit: pourquoi? A cause de la grande facilité qu’il y a de mêler une couleur avec une autre, & de retraivailler plus ou moins sans être obligé de repeindre.“

Gemäss seiner Ausbildung in Genf und Paris ist Liotard Miniaturenmaler und Emailleur. Der Autodidakt studiert an keiner akademischen Institution und interessiert sich kaum für Anatomie- oder Mimikstudien. Obwohl er bis zu seinem Lebensende gerne experimentiert, entwickelt er keine neuen stilistischen Mittel, Formen oder Themen. In seinen Porträts dominieren neutrale Gesichtszüge und Posen vor kaum definierten Hintergründen – er konzentriert sich auf den Kopf, malt die Augen gross und setzt eine begrenzte Anzahl Accessoires ein. Zeitgenössische Kritiken bemängeln die fehlende psychologische Tiefe. Das Besondere seiner Kunst liegt in der Meisterschaft der Technik, im Sinn für Genauigkeit und in der minutiösen Ausführung. Mit Präzision und Sachlichkeit hält der Künstler die Gesichter seiner Modelle fest. Obwohl diese aus aristokratischen oder bürgerlichen Kreisen stammen, verzichtet Liotard konsequent auf idealisierende wie beschönigende Kunstgriffe – ein eindeutiger Verstoss gegen die akademischen Konventionen der französischen Kunst seiner Zeit. Liotards Ziel ist es, die wahrnehmbare Wirklichkeit zu zeigen. Seinem Ruf als „peintre de la vérité“ wird er damit gerecht. Die Malerei von Liotard konfrontiert die Betrachtenden mit Personen der Vergangenheit und durch sie mit dem Künstler selbst. In seiner 1781 erschienenen Abhandlung „Traité des principes et des règles de la peinture“ reflektiert Liotard die Überzeitlichkeit seiner Kunst: „La Peinture est le miroir immuable de tout ce que l’univers nous offre de plus beau. Par elle, le passé est toujours le présent. Victorieuse de temps, les ouvrages sont immortels & invariables […]; ils enchaînent le présent, & reproduisent le passé.“

Karoliina Elmer

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“Portrait of a Lady at the Court, Mme de Séjean, née le Chabellier” by Jean-Etienne Liotard (1702–1789) is the oldest work in the collection of the Aargauer Kunsthaus. Liotard’s painting as well as works by Henry Fuseli (Johann Heinrich Füssli, 1741–1825) and Caspar Wolf (1735–1783) form the basis of our overview of Swiss art from the early modern period to the present. All acquired as late as the mid-twentieth century, they marked the real beginning of the collection after a century of existence.

The painting shows a half-length portrait of a young woman in three-quarter profile facing left. The sitter looks directly at the viewer. She is nobly dressed and wears a frilled, white bodice and, over it, a red and white robe with borders decorated with fur and red ribbons. The red ribbon recurs in her striking necklace. Her pale, smooth complexion contrasts with the rouge on her cheeks and her bright red painted lips. She wears her powdered curls tight to the head, and a red ribbon is woven into her hair at the crown. The background is painted in neutral, grey-brown hues and forms a harmonious whole with the accentuating reds of the sitter.

Liotard is probably the most famous painter from Geneva, known primarily for works such as “Chocolatière” (1744) and “Madame d’Epinay” (1759), but he spent multiple extended periods of his life in Paris. Dressed in the latest Parisian fashion, the sitter’s appearance suggests that this painting was created during Liotard’s second sojourn in Paris from 1748 to 1752 – the artist’s most productive years, by his own admission. The woman obviously belongs to a higher social class. Stylistically, the work belongs to the series of pastel portraits of the royal family – the identification of the portrayed as lady-in-waiting Mme de Séjean cannot be proven beyond doubt.

The wider public tends to associate the name of the cosmopolitan Liotard with pastel painting, and rightly so. He is considered one of the most important practitioners of the genre along with Rosalba Carriera (1675–1757), Elisabeth Vigée-Lebrun (1755–1842), Joseph Vivien (1657–1734), Maurice Quentin de La Tour (1704–1788) and Jean Siméon Chardin (1699–1779), whose portraits were coveted throughout Europe. Pastel painting first emerged during the Italian Renaissance and reached its peak in the seventeenth and eighteenth centuries. Liotard was aware of his mastery of the pastel technique and praised its advantages in a 1762 essay: “For its beauty, vivacity, freshness and lightness of palette, pastel painting is more beautiful than any other kind of painting. Why? Because of the great ease of mixing one colour with another and reworking to a greater or lesser extent without having to repaint.”

Liotard trained as a miniature painter and enameller in Geneva and Paris, but didn’t study at any academic institution. The autodidact was hardly interested in studying anatomy or facial expressions. Even though he liked to experiment until the end of his life, he did not develop any new stylistic devices, forms or subjects. His portraits are dominated by neutral facial features and poses against poorly defined backgrounds. Focusing on the head, he usually painted large eyes and included a limited number of accessories. Contemporary reviews criticised the lack of psychological depth. His art is remarkable for its mastery of the technique, its accurateness and meticulous execution. The artist captured the faces of his sitters with precision and objectivity. Even though they were from aristocratic or bourgeois circles, Liotard consistently avoided using idealising and euphemising devices in a clear violation of the academic conventions of French art of his day. Liotard sought to show perceptible reality. He lived up to his reputation as a “peintre de la verité”. Liotard’s paintings confront the viewer with people from the past and, through them, with the artist himself. In his “Traité des principes et des règles de la peinture” published in 1781, Liotard reflected on the timelessness of his art: “Painting is the immutable mirror which reflects all of the most beautiful things that the universe gives us. Through it, the past is always the present. Victorious over time, the works are immortal & invariable …; they connect the present, & reproduce the past.”

Karoliina Elmer

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Le tableau de Jean-Etienne Liotard (1702–1789), «Bildnis einer Hofdame, Mme de Séjean, née le Chabellier», est l’œuvre la plus ancienne dans les collections de l’Aargauer Kunsthaus. Les tableaux de Liotard, ainsi que les œuvres de Johann Heinrich Füssli (1741–1825) et de Caspar Wolf (1735–1783), constituent la base de notre aperçu de l’art suisse récent; cependant ils furent tous acquis seulement à partir du milieu du XXe siècle, donnant ainsi à nos collections leur véritable lancement cent ans plus tard.

Le tableau montre le buste d’une jeune femme de 3/4 de profil tourné vers la gauche. La dame regarde directement le spectateur. Elle est habillée noblement et porte un corselet blanc ruché avec par-dessus une robe blanc-rouge, dont les bords sont ornés de fourrure et de rubans rouges. Le ruban rouge est repris comme tour de cou bien apparent. Son teint pur et clair contraste avec le rouge des joues et le rouge clair des lèvres. Ses boucles poudrées sont courtes et un ruban rouge est tressé au niveau de la raie. L’arrière-plan du tableau reste dans des tons neutres gris-brun, donnant avec les tons rouges accentués du portrait une harmonie à l’ensemble.

Peintre genevois certainement le plus célèbre, connu principalement pour ses œuvres telles «La chocolatière» (1744) et «Madame d’Epinay» (1759), Liotard séjourne plusieurs fois longuement à Paris au cours de sa vie. Habillée selon la dernière mode parisienne, la tenue de la personne portraiturée laisse supposer que ce tableau a été réalisé lors du deuxième séjour de Liotard de 1748 à 1752, ses années les plus fructueuses selon les dires de l’artiste. De toute évidence, la dame est issue d’une classe sociale supérieure. Au niveau du style, l’œuvre fait partie de la série de portraits pastel de la famille royale, l’identification de la personne comme étant la dame d’honneur Mme de Séjean ne peut être garantie sans ambiguïté.

En général, le grand public lie, à juste titre, le nom de cet artiste cosmopolite qu’est Liotard à la peinture au pastel. Avec Rosalba Carriera (1675–1757), Elisabeth Vigée-Lebrun (1755–1842), Joseph Vivien (1657–1734), Maurice Quentin de La Tour (1704–1788) et Jean Siméon Chardin (1699–1779), il fait partie des principaux représentants de ce genre, dont les portraits étaient convoités dans toute l’Europe. La peinture au pastel prend son essor durant la Renaissance italienne et connaît son apogée aux XVIIe et XVIIIe siècles. Conscient de maîtriser avec maestria la technique du pastel, Liotard fait les éloges de ses avantages dans un essai datant de 1762: «La peinture en pastel pour la beauté, la vivacité, la fraîcheur & la légèreté des teintes, est plus belle que quelque peinture que ce soit: pourquoi? A cause de la grande facilité qu’il y a de mêler une couleur avec une autre, & de retravailler plus ou moins sans être obligé de repeindre.»

Selon sa formation à Genève et Paris, Liotard est un émailleur et peintre miniaturiste. Autodidacte, il ne fréquente aucune institution académique et s’intéresse peu à l’étude de l’anatomie et des expressions du visage. Bien qu’il aime expérimenter jusqu’à la fin de ses jours, il ne développe aucun nouveau moyen stylistique, forme ou thème. Dans ses portraits dominent des poses et des traits de visage neutres sur un fond à peine défini; il se concentre sur la tête, peint les yeux en grand et place un nombre limité d’accessoires. Les critiques de l’époque pointent le manque de profondeur psychologique. La particularité de son art réside dans la maestria de la technique, dans le sens de l’exactitude et dans l’exécution minutieuse. L’artiste immortalise les visages de ses modèles avec précision et réalisme. Même si ceux-ci sont issus de la bourgeoisie et de l’aristocratie, Liotard renonce méthodiquement à tout artifice idéalisant ou embellissant – une entorse flagrante aux conventions académiques de l’art français de son époque. L’objectif de Liotard est de montrer la réalité perceptible. Il satisfait ainsi à sa réputation de «peintre de la vérité». La peinture de Liotard confronte les spectateurs à des personnes du passé et, à travers elles, au peintre lui-même. Dans son «Traité des principes et des règles de la peinture» paru en 1781, Liotard se penche sur l’intemporalité de son art: «La peinture est le miroir immuable de tout ce que l’univers nous offre de plus beau. Par elle, le passé est toujours le présent. Victorieux du temps, les ouvrages sont immortels & invariables […]; ils enchaînent le présent, & reproduisent le passé.»

Karoliina Elmer

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Il dipinto Bildnis einer Hofdame, Mme de Séjean, née le Chabellier (Ritratto di una dama di corte, Mme de Séjean, née le Chabellier) di Jean-Étienne Liotard (1702-1789) è l’opera più antica conservata nella collezione dell’Aargauer Kunsthaus. Insieme ai lavori di Johann Heinrich Füssli (1741-1825) e Caspar Wolf (1735-1783), costituisce la base del percorso attraverso l’arte svizzera recente – anche se le opere sono state acquistate solo a metà del XX secolo, segnando il punto di avvio cronologico della collezione cento anni dopo la sua creazione.

Il dipinto propone il ritratto a mezzo busto di una giovane donna, rivolta di tre quadri verso sinistra. Il suo sguardo è diretto verso lo spettatore. La dama indossa abiti eleganti: un corpetto bianco con ruche e un vestito bianco-rosso con bordi di pelliccia e nastrini rossi. Il nastro rosso trova un riscontro nell’appariscente monile intorno al collo. Alla carnagione chiara e diafana fanno da contrappunto il fard rosso sulle guance e il rossetto rosso chiaro. L’acconciatura di riccioli incipriati è corta e nella scriminatura è intessuto un nastro rosso. Lo sfondo neutro in toni grigio-bruni dialoga con gli accenti rossi della ritrattata, generando un assieme armonico.

Liotard è senza dubbio il pittore ginevrino più illustre, noto soprattutto per opere quali Chocolatière (1744) e Madame d’Epinay (1759). Nel corso della sua vita soggiorna più volte a Parigi. L’abbigliamento all’ultima moda parigina della protagonista del dipinto in esame induce a situarne la realizzazione durante il secondo soggiorno parigino, tra il 1748 e il 1752, che secondo Liotard corrisponde al periodo più prolifico della sua attività. La donna effigiata appartiene chiaramente a un ceto sociale alto. Se il dipinto si inscrive nella serie dei ritratti a pastello della famiglia reale francese, l’identificazione della ritrattata con la dama di corte Mme de Séjean non è attestabile con certezza.

Il nome di Liotard, artista cosmopolita, viene solitamente e a ragione associato alla pittura a pastello. Insieme a Rosalba Carriera (1675-1757), Elisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), Joseph Vivien (1657-1734), Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) e Jean Siméon Chardin (1699-1779) è considerato tra i principali esponenti di questo genere pittorico, i cui ritratti erano ricercati in tutta Europa. La pittura a pastello nasce nel Rinascimento italiano e raggiunge il suo apogeo nei secoli XVII e XVIII. Liotard è pienamente consapevole della sua bravura nella pittura a pastello, della quale elogia i pregi in un saggio del 1762: “La peinture en pastel pour la beauté, la vivacité, la fraîcheurs & la légèreté des teintes, est plus belle que quelque peinture que ce soit: pourquoi? A cause de la grande facilité qu’il y a de mêler une couleur avec une autre, & de retraivailler plus ou moins sans être obligé de repeindre.”

In base alla sua formazione a Ginevra e Parigi, Liotard esordisce come miniaturista e smaltatore. Autodidatta, non frequenta alcuna istituzione accademica e non si interessa di studi di anatomia e mimica. Sebbene per tutta la vita abbia praticato la sperimentazione, sul piano stilistico non sviluppa nessun mezzo, forma o tema inedito. I suoi ritratti sono dominati da lineamenti e pose neutri, su sfondi prevalentemente indeterminati – la sua concentrazione è rivolta alla testa, gli occhi spiccano per grandezza e il numero di accessori è limitato. Per i critici dell’epoca, i suoi ritratti mancano di spessore psicologico. La sua arte si distingue per la maestria tecnica, in particolare per la precisione e la fattura meticolosa. I volti dei suoi modelli sono riprodotti con accuratezza e realistica obiettività. Sebbene i ritrattati siano di estrazione aristocratica o borghese, Liotard rinuncia con coerenza ad artifici idealizzanti e di abbellimento – una chiara violazione delle convenzioni accademiche dell’arte francese del suo tempo. L’intento di Liotard è mostrare la realtà sensibile. In questo senso, la sua fama di “peintre de la vérité” è pienamente giustificata. La pittura di Liotard pone lo spettatore di fronte a persone del passato e attraverso di loro di fronte all’artista stesso. Nel suo Traité des principes et des règles de la peinture, pubblicato nel 1781, Liotard riflette sulla dimensione atemporale della sua pittura: “La Peinture est le miroir immuable de tout ce que l’univers nous offre de plus beau. Par elle, le passé est toujours le présent. Victorieuse de temps, les ouvrages sont immortels & invariables […]; ils enchaînent le présent, & reproduisent le passé.”

Karoliina Elmer